La tua prima macchina fotografica?

La mia primissima macchina fotografica è stata una Canon Prima Junior, regalo per il mio ottavo compleanno – la mamma non era molto contenta perché era un hobby troppo costoso: una compattina tutta automatica che mi ha accompagnato per qualche anno, poi sono passata a una Nikon FE2 manuale e da li è iniziato il vero divertimento. Ho imparato praticamente da sola, appuntandomi su un quaderno i diaframmi, i tempi e tutto il resto. Mio cugino è un fotografo amatoriale ed è grazie a lui che ho visto la prima volta, in camera oscura, l’immagine venire fuori dalla carta. Quella magia mi ha folgorato e credo di avere deciso lì per lì, più o meno a dodici anni, che da grande avrei voluto fare la fotografa.

Qual è la macchina fotografica che usi ora? E perché è quella più adatta a te?

È un po’ complicato: quando sono sul set scatto con due Sony A9 Mirrorless, perfette perché silenziosissime (elettronica shutter mode) e con una risoluzione anche a luci basse meravigliosa. In una monto un wide angle lens e nell’altra un obbiettivo lungo.  Very sharp e il fuoco è velocissimo. Nella mia borsa c’è anche una vecchia ma sempre potentissima Canon 5D Mark III (ho provato una Mark IV ma non ho visto cosi tante differenze per le stills, quindi sono rimasta, felicemente risparmiando, con la III). Ma credo di tornare presto al mio vecchio amore Nikon, scambiando camera e lenti: vorrei prendermi la Nikon D850, per una questione di feels e colori. Sono comunque entrambe macchine professionali di altissimo livello. Al momento la Sony A9 rappresenta la soluzione migliore per uno Unit Stills Photographer. Personalmente sono molto soddisfatta e anche le lenti sono fantastiche. Non ho assolutamente abbandonato le macchine fotografiche a pellicola che porto con me anche sul set e quando è possibile cerco di fare qualche ritratto agli attori: una Nikon FM2 e una fantastica Rolleiflex! È tutta un’altra storia fotografare con queste.

Obbiettivi? Quali lenti preferisci nel tuo lavoro sul set ?

Per il mio lavoro le varifocali sono indispensabili, perché devi essere veloce nell’adattarti alle situazioni, fare primi piani e passare ai wide angle in un attimo, e avere a disposizione un vasto range di focali aiuta. E devono essere rigorosamente luminose, quindi mai sopra il f2.8. Un bravo fotografo di scena deve muoversi il minimo indispensabile e passare inosservato, di conseguenza cambiare lente ogni minuto non è l’ideale. Le mie lenti: Sony 24/70mm f2.8, Sony 16/24mm f2.8, Sony 85mm f1.8, Sony 70/200mm f2.8, Canon 16/24mm f2.8, Canon 24/70mm f28, Canon 70/20mm f 2.8.

Qual è stato il tuo primo set cinematografico? 

Il mio primo set cinematografico amatoriale è stato al primo anno del DAMS di Bologna. Sul mio sito ci sono ancora le foto di quel set: un cortometraggio del mio compagno di corso Marcello Vai, con un Michele D’Attanasio tuttofare, dalla produzione al grip e al catering. La sensazione era quella della “famiglia per una settimana”, perché si viveva davvero giorno e notte tutti insieme. È ancora un bellissimo ricordo e grazie a quell’esperienza mi sono resa conto che con quel lavoro avrei potuto unire le mie due grandi passioni: fotografia e cinema. Il primo vero set cinematografico però è stato a Los Angeles con il mio migliore amico, il direttore della fotografia Pierluigi Malavasi per una serie di History Channel dal titolo Nostradamus Effect, e da lì ho iniziato a lavorare grazie al passaparola.

Fotografia naturalistica: preferisci ottenerla solo con luce naturale o con diverse luci artificiali?

Direi che anche lontano dal set preferisco usare la luce naturale. Mi sento molto più a mio agio a lavorare con quello che ho davanti.

Curi tu la post-produzione delle tue foto?

Si, perché il lavoro deve essere mio al 100%. Anche se il fotografo di scena deve consegnare i file raw alla produzione e poi ci penserà il reparto marketing a fare il loro editing, io dò sempre delle foto con la mia color correction e molto spesso finiscono per usare quelle.

Il primo vero e importante rimprovero che hai ricevuto durante un lavoro ma che ti ha insegnato qualcosa di fondamentale sul tuo mestiere.

Credo che sia stato quando ho iniziato nella prima agenzia, l’Iguana Press di Bologna. Roberto Serra, il proprietario dell’agenzia, alla consegna delle foto del mio primo concerto, mi insegnò “due cose”, che mi ricorderò per sempre e che hanno segnato totalmente il mio modo di costruire l’immagine. Mi disse che non c’era cosa più brutta di un’inquadratura sbagliata. È importante lo spazio che si dà al soggetto: non troppa aria sulla testa, spazio e destra o a sinistra a seconda dello sguardo del soggetto e soprattutto MAI il microfono davanti alla faccia! Insegnava Educazione all’Immagine a Scienze della Comunicazione e ogni tanto andavo ad assistere alle sue lezioni. Davvero interessantissime, tanto che fosse per me metterei l’insegnamento di questa disciplina nelle scuole elementari.

Chi come noi fa cinema spesso non pensa ad altro e non ha il tempo di godersi altro. Ma dimmi cosa preferisci allo stare sul set.

Adoro il cinema e i concerti, non vedo l’ora di poterci andare di nuovo, qualsiasi film e concerto siano di sicuro mi metterò a piangere dalla commozione. Adoro la pizza, sono italiana after all! E da qualche anno (meglio tardi che mai) ho iniziato a fare kickboxing. Adoro come mi sento ogni volta alla fine di una lezione e come si sta trasformando il mio corpo.

Il collega che “odi” di più, perché è troppo bravo?

Odio no, ma tantissima invidia sì per il fotografo di scena Niko Travernise (@nikotravernise). Riconoscerei le sue foto tra mille, adoro il suo stile e poi lavora su tutti i set in cui vorrei lavorare io! Un’altra fonte inesauribile di ispirazione e aiuto costante nel mio lavoro è il  mio mentor Hopper Stone, il presidente della Society of Motion Picture Stills Photographers (SMPSP), di cui faccio fieramente parte dal 2018 (@hopper_stone). Di fotografi Italiani stimo molto Francesco Prandoni (@francescoprandoni), amico e fotografo di Live Music. Dei colleghi fotografi di scena massima stima per Andrea Miconi (@anrea.miconi) ed Emanuela Scarpa (@scarpaemanuela).

L'articolo Fotografi di scena/5: Stefania Rosini proviene da Fabrique Du Cinéma.

Nella nuova rubrica di Fabrique dedicata ai fotografi di scena, noi vogliamo però indagare il suo particolarissimo modo di scattare sui set cinematografici, dove il suo sguardo riesce a catturare immagini di particolare gusto grafico e dai toni saturi e pop. 

Ricordi il tuo primo film?

Il primo lungometraggio è stato Et in terra pax di Matteo Botrugno e Daniele Coluccini, con Davide Manca alla fotografia di scena: un progetto che ancora porto nel cuore. Ma il vero incontro fortunato l’ho avuto sul set del corto Noir Designer di Roberto Palma, dove era protagonista un attore incredibile come Luca Di Giovanni, al quale scattai un posato che sarebbe stata la mia wild card per entrare nel mondo del cinema. Ho mostrato gli scatti a Philippe Antonello, che avevo conosciuto tramite un’intervista, conquistando la sua fiducia: sono diventato suo assistente e mi ha insegnato tutto quello che oggi so sulla fotografia di scena e il cinema.

La tua prima macchina fotografica?

La mia prima macchina in assoluto è stata una vecchia Nikon Nikkormat FTn a pellicola di mio padre, con un fantastico Nikkor 50mm F 1.4, con la quale ho iniziato a scoprire la fotografia (comunque da sempre presente in casa mia, entrambi i miei genitori erano fotografi amatoriali); poi sono passato al digitale, ma solo dopo alcuni anni. Infatti, le prime foto di scena erano tutte in pellicola.

Quale macchina usi ora? E perché è quella più adatta a te?

Ho acquistato una Canon EOS R e ne sono rimasto davvero soddisfattissimo: veloce, maneggevole, ottima qualità di file e mirrorless, quindi assolutamente silenziosa. Non ho mai usato blimp sui set (non riuscivo proprio a gestirli!) e spesso mi sono trovato in difficoltà a scattare con le vecchie 5D: oggi, con un otturatore elettrico, questo problema è sparito e il lavoro è sicuramente più fluido.

Obbiettivi? Quali lenti preferisci nel tuo lavoro sul set?

Al momento lavoro principalmente con tre lenti: un Canon EF 24-70mm f 2.8L, un Sigma Art 50mm f1.4. e il Canon EF 70-200mm f 2.8L USM.

Quando scatti sul set, in generale utilizzi priorità di otturatore, di diaframma oppure setti tutto in manuale?

Per quanto possibile sul set lavoro sempre in manuale. La scelta è dovuta intanto alla peculiarità dei set cinema, con una luce controllata che mi permette di lavorare modificando pochissimo i valori della macchina, e poi per seguire l’impostazione di luce del direttore della fotografia.

Fotografia naturalistica: preferisci ottenerla solo con luce naturale o con l’utilizzo di diverse luci artificiali?

Per la fotografia naturalistica e di paesaggio lavoro solo in luce naturale: cerco sempre di fare dei sopralluoghi almeno un giorno prima o studio le mappe su Google per capire quali orari siano i migliori per ritrarre quella scena. Imprescindibile negli ultimi anni è diventato Sunseeker, una app per iPhone che ti permette di visualizzare in realtà aumentata dove sarà il sole in qualsiasi ora del giorno o dell’anno, permettendoti di organizzare al meglio un’alba o un tramonto.

Quando scatti fuori dal set, in particolare per i “posati”, preferisci luce continua o flash?

Per i posati cerco sempre di unire le due cose: da un lato una luce morbida naturale che possa illuminare il modello in maniera piacevole e poi un colpo di flash, magari minimo, con un piccolo beauty dish, per enfatizzare il viso e rendere la foto più interessante.

Usi qualche filtro ottico? Oppure preferisci applicarlo di più in post-produzione? Curi tu la post-produzione delle tue foto?

Gli unici filtri ottici che utilizzo sono una serie di polarizzatori e filtri ND sfumati che mi servono per compensare il cielo quando fotografo paesaggi. All’inizio usavo molto di più la post per compensare questo problema, ma poi ho scoperto che con i filtri potevo ottenere un risultato più pulito e qualitativamente più alto. Al momento curo da solo quasi tutta la post, per avere un controllo totale delle immagini finali. Possono però esserci dei casi, molto specifici, in cui mi affido a ritoccatori o grafici che sono più bravi di me (come per un advertising, una locandina e via dicendo): per quel tipo di richieste preferisco affidarmi ai veri professionisti del ritocco (come i ragazzi di Big Jellyfish).

Il primo vero e importante rimprovero che hai ricevuto durante un lavoro ma che ti ha insegnato qualcosa di fondamentale sul tuo mestiere.

Ricordo un lavoro per un grosso cliente fatto con Philippe Antonello, eravamo in una base di elicotteristi a Bergamo, dovevamo scattare delle scene con un elicottero in volo (molto vicino a noi) e alcune persone in primo piano. Avevamo un flash Bowens come luce principale, su cui avevamo messo più pesi possibili per non farlo cadere. Mi sono allontanato per girare alcuni video di backstage e nel giro di un attimo, com’è ovvio, il flash è caduto. Philippe non mi ha mai rimproverato apertamente, perché non è il suo modo, ma mi ha fatto capire che ci sono delle priorità quando si lavora e vanno sempre valutate attentamente. Inutile dire che ancora lo tengo a memoria.

Chi come noi fa cinema, spesso non pensa ad altro e non ha il tempo di godersi altro. Ma dimmi tre cose che preferisci allo stare sul set. 

Mi compri facile con una buona pizza o se proponi un viaggio enogastronomico (che poi è quello che spesso faccio per lavoro!). Sono poi un appassionato di binge watching su Netflix: sono sempre alla ricerca di serie assurde (possibilmente orientali) che mi facciano scoprire qualcosa di nuovo (ad esempio ora ho iniziato a vedere una serie sui Mumbai Indians, una squadra di cricket indiana). Una scoperta recente: da qualche anno a questa parte ho sviluppato un inaspettato pollice verde! Soprattutto per quanto riguarda le piante da interno, ma il mio prossimo passo sarà quello di ottimizzare il mio balcone per trasformarlo in una piccola serra e regalarmi verdure a km 0.

Il collega che “odi” di più perché è troppo bravo?

Odiare è un parolone… Ho una grande stima per professionisti come Angelo Turetta [doppietta, due su due per la nostra rubrica, ndr], un vero artista prestato al cinema, o Philippe Antonello (che già troppe volte ho citato in questa intervista), per me uno dei migliori fotografi di scena al mondo. Ma mi vengono in mente altri nomi come Stefano Montesi, Paolo Ciriello, Francesca Fago, Federico Vagliati, Loris Zambelli, Chico De Luigi… tutti ottimi fotografi di cui ho molta stima. 

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Ricordi il tuo primo film?

Certo, un’esperienza indimenticabile, Caravaggio di Angelo Longoni. Ero lì come assistente accanto a due grandi maestri di fotografia e di luce, Piero Marsili (a cui devo molto) e Vittorio Storaro, che possiamo dire sia il maestro di tutti… Avevo molta paura ma lavorare accanto a Piero Marsili mi ha permesso di osservare da vicino i suoi movimenti e “appostamenti”. Poi il primo film ufficialmente è stato Le stelle inquiete di Emanuela Piovano, regista molto brava che ha creduto in me.

La tua prima macchina fotografica?

Una Minolta X300 analogica. Sono molto legata alla pellicola ancora oggi, e cerco di continuare a scattare così quando posso. Ricordo perfettamente che me la regalò mio padre per i miei 16 anni. L’ho usata per parecchi anni. Mi è servita per iniziare a sbagliare.  La pellicola non perdona ma è da quegli errori che s’impara di più. Poi col tempo sono passata al digitale. Ho ereditato una serie bellissima di ottiche Nikon da un altro fotografo di scena, Emanuele Prandi. Era un caro amico di famiglia e mi sembrava giusto proseguire il suo cammino, dunque da lì mi sono battezzata come Nikonista con la splendida D2Xs. Quando mi sono specializzata nel lavoro sul set ho sentito l’esigenza di un modello più leggero e maneggevole, così sono passata alla Nikon D800.

Quale macchina fotografica usi ora?

Pensavo non l’avrei mai fatto, ma l’anno scorso ho fatto un grande passaggio, mi sono convertita alla Fuji con la XT3 e mi trovo davvero bene. È molto leggera e resistente, ha una curva sensitometrica che mi permettere di esplorare molto sia nelle ombre che nelle alte luci e questo mi fa comodo in molte situazioni sul set. Per non parlare del fatto che è una mirrorless e l’assenza di rumore mi permette di scattare liberamente senza disturbare la recitazione degli attori.

Obbiettivi?

Io lavoro con un 16/55mm e un 50/140mm (Fuji), ma il mio grande amore è stato il Nikon 85mm f1.8, aveva uno sfuocato sui ritratti che mi faceva impazzire di gioia.

Quando scatti sul set, in generale usi priorità di otturatore, di diaframma oppure setti tutto in manuale?

Da sempre scatto solo interamente in manuale, un direttore della fotografia una volta mi ha detto “Quando scatti devi soffrire!”. Detto così sembra una frase sadica, ma ciò che intendeva è che avere timore che qualcosa vada storto aiuta a mantenere alta la concentrazione e l’energia creativa. Di quel monito io ho fatto il mio mantra, e mi sono imposta questa regola. Ora non solo non soffro più ma ho imparato ad avere totale controllo del mezzo. Questo penso fosse il vero insegnamento che si celava dietro le sue parole…

Fotografia naturalistica: preferisci ottenerla solo con luce naturale o con diverse luci artificiali?

“Non mi piace aspettare, ma non si possono dare ordini al sole”. Mi viene in mente questa citazione che ho letto pochi giorni fa in un’intervista a Josef Koudelka, uno dei miei fotografi preferiti in assoluto. E mi sembra sia appropriata alla domanda, personalmente penso che per la fotografia naturalistica ci sia solo una possibilità: affidarsi alla luce del Sole e sapere aspettare il momento più adatto. Sul set l’obbiettivo del fotografo di scena è quello di restituire in una sola immagine l’atmosfera di un film. Come fosse una forma di riassunto: mentre una scena nel cinema è raccontata da più tagli e inquadrature (totale, campo, controcampo etc.) il fotografo deve raccontare il tutto in un unico scatto. Per questo anche in questo caso mi sembra opportuno partire dalla luce che illumina quella scena. Nella mia formazione inoltre c’è tanto reportage, uso ancora oggi  quell’approccio di osservatore silenzioso che cattura un momento della realtà. Anche se in questo caso la realtà raccontata è una realtà di finzione…

Quando scatti fuori dal set, in particolare per i “posati”, preferisci luce continua o flash?

Personalmente non amo il flash. Dunque uso quasi sempre la luce continua. Non mi piace essere condizionata dall’intermittenza del flash; la luce continua lascia più spazio alla spontaneità, mi permette di cogliere attimi imprevisti.

Usi qualche filtro ottico? Oppure preferisci applicarlo di più in post-produzione? Curi tu la post-produzione delle tue foto?

Qualche volta, quando serve, uso un filtro polarizzatore. Mi aiuta a correggere i difetti che si possono creare in situazioni di luce molto intensa. Per il resto lavoro tutto durante la post- produzione, che curo personalmente. In questa fase del lavoro è fondamentale la collaborazione con il direttore della fotografia. Con lui capisco che tipo di color avrà il film e cerco di avvicinarmi il più possibile. Purtroppo però questo lavoro di “squadra” non è sempre scontato. Anzi accade che il fotografo sia un po’ abbandonato a se stesso, quando invece una collaborazione del genere risulta sempre vincente perché le immagini del fotografo sono quelle che promuovono il film e dovrebbero esserne parte integrante come lo sono le immagini della macchina da presa.

Il primo vero e importante rimprovero che hai ricevuto durante un lavoro ma che ti ha insegnato qualcosa di fondamentale sul tuo mestiere.

Mi viene da dire che sono stata fortunata oppure sfortunata, perché non ricordo un rimprovero così importante da diventare un insegnamento. Errori tantissimi, dai quali ho imparato sempre qualcosa. Sembra un aspetto minore ma ad esempio è importantissimo il rapporto con gli uffici stampa che dal momento in cui finiscono le riprese sono un referente importante e questo non te lo insegna nessuno… In generale l’esperienza sul set e tutto quello che comporta – aspettare, sapersi muovere, chiedere scusa, ringraziare, stare al proprio posto, prendere gomitate, non calpestare i cavi – è il vero grande insegnamento e direi che serve anche nella vita, non solo nel lavoro.

Chi come noi fa cinema, spesso non pensa ad altro e non ha il tempo di godersi altro! Ma dimmi tre cose che addirittura preferisci allo stare sul set.

Ahimè, sono figlia di una costumista e di uno scenografo e nipote di un critico cinematografico, da questo mondo non riesco proprio ad uscire! Con mio nonno Morando andavo sempre al cinema e quando tornavamo a casa dopo cena, guardavamo un altro film o leggevamo le sue recensioni e anche oggi è un bel modo per rilassarmi. Però amo ascoltare musica, dormire, bere buon vino e cucinare. Potrei morire di ostriche e patatine fritte. Ho una passione per le orchidee e se potessi andrei in giro per Roma a cavallo. Di questi tempi il migliore guilty pleasure è viaggiare e vedere liberamente gli amici e mi manca davvero tantissimo.

Il tuo collega che “odi” di più perché è troppo bravo?

Odio solo il fatto che nel mio mestiere raramente si possa lavorare insieme perché mi piacerebbe molto farlo, e le volte che mi è capitato è stata una grande ricchezza. Un maestro per me è Angelo Turetta, che oltre ad essere stato davvero un mio insegnante allo IED, è un grandissimo fotografo e una persona che stimo tantissimo. Ma ho solo colleghi bravissimi per fortuna! Il concorso Cliciak di Cesena, organizzato dal grande Antonio Maraldi è una realtà preziosa che permette ai fotografi d’incontrarsi e conoscersi.

PS: Perché nel nostro mestiere siamo più abituati a competere che a sostenerci e dimostrarci stima?

Fin da bambina ero terrorizzata all’idea di fare le gare, perché odiavo la competizione! Sono convinta che da soli siamo molto più fragili e limitati. Pensare di essere migliori di altri è una presunzione inutile. Per giunta lo sanno tutti che fine fanno quelli che vogliono arrivare prima a scapito degli altri. Lo insegnano le favole antiche come la lepre e la tartaruga… Nei mestieri creativi poi, questa cosa vale ancora di più, la competizione impoverisce la creatività. Al contrario, non c’è cosa più bella e importante dell’imparare, e s’impara dagli altri. Ognuno di noi ha delle qualità specifiche da insegnare e sono convinta che sostenendoci a vicenda ci si può solo arricchire e si arriva davvero lontano. Mai come in questo periodo abbiamo compreso che dipendiamo profondamente gli uni dagli altri, dovremmo farlo diventare una legge, nessuno si salva da solo (per citare un libro e un film). Credo davvero che la parola chiave sia ‘insieme’.

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