Dalla nona edizione (2023) nel Premio è stata introdotta una grande novità: per dare il segnale di quanto i Fabrique du Cinéma Awards credono nei suoi autori, il regista vincitore nella categoria Miglior Film Internazionale diventa il Presidente di Giuria del concorso successivo. Perciò, dopo il regista messicano José Luis Solís Olivares (2023), il Presidente di Giuria degli Awards 2024 è il cinese Zhengchao Xu, regista, sceneggiatore e scrittore. Il suo film A Woman, A Gun, And a Noodle Shop è stato in concorso al 60° Festival Internazionale del Cinema di Berlino e Sad Fairy Tale è stato in gara nella competizione principale al 36° Festival Internazionale del Cinema del Cairo. Il suo ultimo lungometraggio The Dry Fable ha vinto i Fabrique du Cinéma Awards 2023.

Al Presidente si affiancheranno gli altri membri della giuria: Salvatore De Mola, sceneggiatore premio David di Donatello (fra i suoi titoli Il commissario Montalbano, Vincenzo Malinconico, Makari),  Marco Pontecorvo regista (Per Elisa – Il caso Claps, Sempre al tuo fianco) e direttore della fotografia (Il trono di spade, Gigolò per caso), Lidia Vitale, attrice (Esterno notte, Ti mangio il cuore, Il primo giorno della mia vita), Roberto Giacobbo, conduttore e autore televisivo (Voyager, Freedom – Oltre il confine) e Renato Marengo, conduttore radiofonico, giornalista e produttore discografico (ideatore e promotore negli anni ’70 del movimento musicale Napule’s Power ha prodotto fra gli altri Edoardo Bennato, Teresa De Sio e Roberto De Simone).

La mission dei Fabrique du Cinéma Awards rimane quella che ha contraddistinto il Premio sin dalla nascita: promuovere la cinematografia italiana indipendente all’interno di una cornice internazionale. E di edizione in edizione i numeri crescono significativamente, un chiaro segnale dell’attrattiva generata da un concorso sempre più incisivo nel panorama audiovisivo italiano e mondiale. Quest’anno le opere iscritte sono state oltre 1300, a concorrere nelle 12 categorie del Premio.

CATEGORIE

Miglior Film Internazionale

Miglior Opera Prima Italiana

Miglior Opera Italiana Innovativa

Miglior Cortometraggio Italiano

Miglior Cortometraggio Internazionale

Miglior Attore

Miglior Attrice

Miglior Documentario Internazionale

Miglior Colonna Sonora Italiana

Miglior Serie Tv Italiana

Miglior Concept Di Serie

Miglior Sceneggiatura Di Cortometraggio

In collaborazione con: Rai Fiction

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Da sempre l’obiettivo dei Fabrique Awards è quello di fornire un’opportunità senza pari ai cineasti di tutto il mondo di condividere le loro visioni, esplorare nuove prospettive e connettersi con una comunità appassionata di professionisti del settore.

Che aspetti a iscriverti alla 10a edizione? Ti attendiamo con impazienza ai Fabrique du Cinéma Awards 2024!

Tutte le info per l’iscrizione ai Fabrique Awards sulla nostra pagina di Filmfreeway.

L'articolo Continua la corsa dei Fabrique Awards 2024: tutte le info proviene da Fabrique Du Cinéma.

In programma nei giorni 29, 30 e 31 agosto negli spazi del Cinema San Nicola di Cosenza, la rassegna prosegue con passione la sua attività di diffusione di cortometraggi d’autore. Tre giorni dedicati a proiezioni, incontri e approfondimenti, durante i quali le dinamiche del mercato e della competizione lasciano spazio a un confronto sincero e alla condivisione di idee.

“Perché non serve a niente, davvero, che tu ti tieni gli occhi spalancati” è lo slogan, ispirato a un testo di Edoardo Sanguineti, che identifica l’edizione 2024: un invito a socchiudere le palpebre per immaginare nuove possibilità, inedite configurazioni del mondo. Un’esortazione a ricercare le immagini che si celano dall’altra parte degli occhi.

Sono 19 le opere che compongono la Selezione Laterale 2024, 19 sguardi originali provenienti da Austria, Brasile, Canada, Corea, Francia, Germania, Grecia, Italia, Polonia, Portogallo, Singapore, Stati Uniti. Impreziosiscono il cartellone i film brevi Trailer of the film that will never exist: “Phony Wars” di Jean-Luc Godard (presentato al festival di Cannes del 2023), This is how a child becomes a poet di Céline Sciamma, The Tomb of Kafka di Jean-Claude Rousseau e Shrine di Robert Todd.

Gli organizzatori della manifestazione svolgono il loro compito nella convinzione che il cinema d’artista sia ancora in grado di sviluppare sensibilità e pensiero critico. Le forme della sperimentazione sono la linfa vitale del panorama creativo contemporaneo e il cinema deve essere l’invenzione di un nuovo linguaggio, non solo la ripetizione di vecchi schemi. I film laterali sono espressione di un processo umano, non condizionato dalla produzione industriale, e stimolano attivamente gli spettatori coinvolgendoli in modo autentico.

L’esperienza di fruizione non si limiterà alla visione dei lavori selezionati: prima e dopo le proiezioni, il pubblico avrà la possibilità di godere della mostra dal titolo “In Absentia”. Questa prevede, nello specifico, l’esposizione di una serie di frammenti testuali ideati dal Nucleo Kubla Kahn, collettivo di scrittori cosentini attivo dal 2013. I testi evocano visioni filmiche mai esistite e descrivono in vario modo momenti di cinema solo immaginati: un inedito tentativo di esplorare l’invisibile, in perfetta sintonia con le suggestioni che animano l’ottava edizione della kermesse.

Inoltre, il 30 e 31 agosto dalle 17:30 alle 19:30 si terrà la prima edizione di BLATERALE – per pensare oltremodo, un nuovo progetto curato dal team del festival. Durante l’evento, redattori e critici delle riviste Memento Cinema e Lo Specchio Scuro analizzeranno i film della Selezione Laterale 2024 e discuteranno temi cruciali riguardanti la gestione dei festival e il ruolo della critica in uno scenario in continua evoluzione. Gli incontri si svolgeranno presso la sede del collettivo Nucleo Kubla Khan. Tale iniziativa è sostenuta dalla fondazione svizzera Kosmos Kultur, partner ufficiale di Laterale 2024.

Il festival si rivela, dunque, un’occasione imperdibile per chiunque desideri interrogarsi sulla natura e il significato profondo della settima arte.

www.lateralefilmfestival.com

www.facebook.com/lateralefilmfestival

www.instagram.com/laterale_film_festival

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BEST INTERNATIONAL FEATURE FILM The Dry Fable di Zhengchao Xu

BEST ITALIAN DEBUT FEATURE FILM

Stranizza d’amuri di Giuseppe Fiorello

BEST ITALIAN INNOVATIVE FEATURE FILM

Una sterminata domenica di Alain Parroni

BEST ITALIAN SHORT FILM

My name is Aseman di Ali Asgari e Gianluca Mangiasciutti

BEST INTERNATIONAL SHORT FILM

Pina di Jeremy Depuydt e Giuseppe Accardo 

BEST ITALIAN ACTOR

Andrea Arcangeli (Come pecore in mezzo ai lupi)

BEST ITALIAN ACTRESS

Denise Tantucci (Io e mio fratello)

BEST INTERNATIONAL DOCUMENTARY

After the bridge di Davide Rizzo e Marzia Toscano 

BEST ITALIAN SOUNDTRACK

Denti da squalo di Michele Braga e Gabriele Mainetti

BEST ITALIAN TV SERIES

The Good Mothers

BEST TV SERIES CONCEPT 

Hotel Valadier di Alessandro Montali

BEST SHORT FILM SCREENPLAY

Come le alici di Valerio Maria Sessa

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Iniziativa a cura dell’Ufficio di Scopo Politiche Giovanili del Comune di Roma
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Iniziativa realizzata con il contributo e il patrocinio della Direzione generale Cinema e audiovisivo – Ministero della Cultura

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La serata, che sarà presentata dall’attrice Francesca Valtorta e dal giornalista e speaker Riccardo Cotumaccio, avrà come accompagnamento le musiche dal vivo del cantautore Galeffi e le coreografie di Michael Fuscaldo.

La mission rimane quella che ha contraddistinto il Premio sin dalla nascita: promuovere la cinematografia italiana indipendente all’interno di una cornice internazionale. E di edizione in edizione i numeri crescono significativamente, un chiaro segnale dell’attrattiva generata da un concorso sempre più incisivo nel panorama audiovisivo italiano e mondiale.

La giuria della nona edizione è composta dal regista José Luis Solís Olivares (presidente della giuria), dall’attrice Laura Adriani, del musicista Omar Pedrini, dal critico Enrico Magrelli, dalla fumettista Zuzu e dal regista Fabrizio Corallo che, insieme alla redazione di Fabrique, assegneranno i premi del concorso.

Programma dei Fabrique du Cinéma Awards nona edizione:

ore 18.30 apertura nel foyer delle mostre di Daria Shoshani e Alexandra Fongaro curata da Giorgia Grassi

ore 21 inizio cerimonia Fabrique du Cinéma Awards nona edizione

ore 23.30 festa con il dj set di Valerio Diggiu aperta al pubblico nel foyer del Teatro

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Iniziativa realizzata con il contributo e il patrocinio della Direzione generale Cinema e audiovisivo – Ministero della Cultura

Partner UNHCR 

Main Sponsor: Inlusion, TAV

Direct to Digital, Shuttersquad, Harumi, IDL Makeup, D-Vision Movie People

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MIGLIOR FILM INTERNAZIONALE

Backstage di Afef Ben Mahmoud and Khalil Benkirane (Marocco)

Beautiful Friend di Truman Kewley (Stati Uniti)

Dignity di Dimitris Katsimiris (Grecia)

The Dry Fable di Zhengchao Xu (Cina)

MIGLIOR OPERA PRIMA ITALIANA

Castelrotto di Damiano Giacomelli

Come pecore in mezzo ai lupi di Lyda Patitucci

Piano piano di Nicola Prosatore

Stranizza d’amuri di Giuseppe Fiorello

MIGLIOR OPERA ITALIANA INNOVATIVA

Disco Boy di Giacomo Abbruzzese

Frammenti di un percorso amoroso di Chloé Barreau

Non credo in niente di Alessandro Marzullo

Una sterminata domenica di Alain Parroni

MIGLIOR CORTOMETRAGGIO ITALIANO

Black Eyed Dog di Alessandro Cino Zolfanelli

Bordovasca di Giuseppe Zampella

Everyday dicks di Silvia Giambrone

My name is Aseman di Ali Asgari e Gianluca Mangiasciutti

MIGLIOR CORTOMETRAGGIO INTERNAZIONALE

Dog Days di Carlotta Beck Peccoz (UK)

Ivalu di Anders Walter, Pipaluk K. Jørgensen (Danimarca)

Pina di Jeremy Depuydt e Giuseppe Accardo (Belgio)

Please Hold the Line di Tan Ce Ding (Malesia)

MIGLIOR ATTORE

Andrea Arcangeli (Come pecore in mezzo ai lupi)

Luigi D’Oriano (Mixed by Erry)

Gabriele Pizzurro (Stranizza d’amuri)

Gianmarco Saurino (L’estate più calda)

MIGLIOR ATTRICE

Deva Cassel (La bella estate)

Sara Ciocca (Nina dei lupi) 

Dominique Donnarumma (Piano piano)

Denise Tantucci (Io e mio fratello)

MIGLIOR DOCUMENTARIO INTERNAZIONALE

After the bridge di Davide Rizzo, Marzia Toscano (Italia)

Destiny of a truck driver di Yssouf Kousse (Burkina Faso)

The Lost Legacy of Tony Gaudio di Alessandro Nucci (Italia)

Sew to Say di Rakel Aguirre (Regno Unito)

MIGLIOR COLONNA SONORA ITALIANA

Denti da squalo di Michele Braga, Gabriele Mainetti

Life is (not) a game di Lorenzo Tomio

Piano piano di Francesco Cerasi

La primavera della mia vita di Colapesce, Dimartino

MIGLIOR SERIE TV ITALIANA

The Good Mothers regia di Julian Jarrold, Elisa Amoruso

 Per Elisa regia di Marco Pontecorvo

 Un’estate fa regia di Davide Marengo, Marta Savina 

La vita bugiarda degli adulti regia di Edoardo De Angelis

MIGLIOR CONCEPT DI SERIE

Cloak di Chelsea Cassio

Hotel Valadier di Alessandro Montali

Kyla’s War di Hank Isaac

Il meccanismo di Kozai di Emanuele Sana

MIGLIOR SCENEGGIATURA DI CORTOMETRAGGIO

Ancòra di Andrea Castelli

Come le alici di Valerio Maria Sessa

Minuteria di Alessandra Salvoldi e Giulia Noè

Showtime di Francesco Giardiello

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Con Clorofilla hai messo in scena la favola di due anime solitarie legate entrambe indissolubilmente alla natura. Cosa rappresentano per te Maia e Teo?

Maia è una ragazza che rinnega la propria essenza, ma grazie a Teo riesce a scoprire qualcosa che non ha mai voluto vedere dentro di sé. C’è una scena, costruita in montaggio, dove tramite il contatto fisico che ha con Teo Maia riesce a sentire la natura, e quindi anche la sua natura. Mi è piaciuto raccontare la dinamica del riconoscere nell’altro qualcosa che in te nascondi.

Il tuo film intreccia le Metamorfosi di Ovidio e il mito di Dafne sviluppandoli poi in modo molto originale.

Quello era più un punto di partenza dello sceneggiatore, Marco Borromei. Per me la storia parlava di una persona che non vuole accettare la sua natura e la propria sessualità. Infatti la protagonista a un certo punto avrà un orgasmo “con” il bosco, qualcosa che l’attira e la spaventa allo stesso tempo. Ho cercato di fare un film molto sensoriale e visivo, così abbiamo lavorato tanto sul suono per dare tridimensionalità alle emozioni e alle paure di Maia.

Con i tuoi protagonisti Sarah Short e Michele Ragno hai creato un’evidente affinità sullo schermo. Come l’avete raggiunta?

È stato un avvicinamento graduale ma necessariamente veloce: avevamo pochissimo tempo per girare. Michele Ragno è stato scelto due settimane prima d’iniziare le riprese, Sarah è stata confermata un mese prima, ma il momento in cui ho sentito davvero la chimica fra di loro è stato quando ho messo la camera sui primissimi piani: le scene più intime. Il set e la troupe erano sempre in movimento per organizzare le scene successive, ma quando arrivavo a stringere sui volti di Sarah e Michele tutti si calmavano in una specie di catarsi.

Non c’è solo tanto verde il Clorofilla (costumi, scene, pergolati e vegetazione libera), ma traspare un messaggio di amore, o forse più un atteggiamento verso l’ambiente, molto pacifico e positivo.

Avevo la natura come leit-motiv perciò non potevo che cercare di catturarla in ogni inquadratura. Ce n’è solo una di Teo in salotto che sfoglia dei disegni mentre Maia gli si avvicina: è l’unica scena che non ha un po’ di verde. Volevamo aggiungerlo in postproduzione ma non c’era più budget, una rabbia…

Michele lo conoscevo già come attore e ti ha dato tantissime sfumature e fragilità. Sarah la vedevo per la prima volta invece e l’ho trovata naturale, ruvida a suo modo, e funziona molto bene.

Sì, di lei ho visto un self-tape a settembre dell’anno scorso. Era solo il primo step ed era già l’attrice che mi convinceva di più, avevo già deciso che Maia era lei. Michele invece è un attore molto solido. È arrivato molto preparato e ha aiutato anche Sarah. Prima di partire per il set abbiamo provato in tutti i parchi di Roma analizzando ogni stato d’animo e spesso ci ritrovavamo a condividere nostre esperienze di vita più intime partendo dai personaggi. Michele aveva anche disegnato uno schema in cinque fasi sul processo d’accettazione della morte associandolo al percorso dei personaggi nella sceneggiatura. Però abbiamo dato anche tanto spazio all’improvvisazione. Pensa che nelle prove, per fornire le inquadrature al DOP, ho praticamente pre-girato il film col mio iPhone.

Posso dirtelo? A me fai pensare anche a una risposta pacata a Titane e, solo per la parte onirica, a Un lupo mannaro americano a Londra, ma per vegani. Ma qual è il cinema al quale aspiri?

Agli operatori in realtà ho fatto una testa così perché volevo girare molti piani sequenza, avendo in mente Victoria, un film di un solo piano sequenza del 2015 girato a Berlino in una notte. Volevo uno sguardo fluido. Per Titane sì, in effetti! Sai, io sono una fan di Junior, il primo cortometraggio di Julia Ducournau. Invece Il lupo mannaro… sai che non l’ho mai visto? Lo cercherò. Invece sul cinema a cui aspiro mi è stato detto che Clorofilla sembra un film straniero. Ecco, aspiro a fare film internazionali.

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Forse una via per fuggire da quelle mura è il teatro. Negli ultimi anni lo abbiamo visto con Grazie ragazzi di Riccardo Milani e ancor prima con il Cesare deve morire dei Taviani. Un insegnante di teatro, barba candida e passione artistica di Enrico Lo Verso, segue il gruppo di giovani detenute dove con fatica inizia ad ambientarsi anche Desiré. Lavorare su sé stesse per mettere in scena l’Amleto sarà il trampolino non solo per la protagonista, ma anche per tutte le altre ragazze. Un nuovo modo per apprezzare la loro vita di giovani donne. Emotività e percorsi interiori non emergono da sequenze di prove estenuanti (praticamente assenti) quanto più dai confronti con il loro maestro a fine prove. Una stilizzazione ottimamente congegnata alla base di una regia lineare che ne evidenzia i pregi senza mai strafare.

Il teatro come chiave capace di dischiudere la vita lo intende anche una secondina in una battuta con le ragazze dove ammetterà a mezza bocca di vivere già facendo teatro tutti i giorni. Un piccolo segno sulla condizione del personale penitenziario, costretto a vivere schermato dalle proprie emozioni ed empatie durante ogni turno di lavoro. La scrittura di Vezza, insieme a Fabrizio Nardi e con lo zampino di Maurizio Braucci, che ha appena accompagnato anche la sceneggiatura di Palazzina Laf, respira di mille sfumature perfettamente posate su ognuna delle ragazze che tra le mura carcerarie aspira alla vita a modo suo. Carica sessuale, rabbia, paura, resilienza, instabilità e amicizia, tutte represse tra le loro parole non dette fanno percorsi poco convenzionali attraverso queste penne, riservandoci nei giusti momenti dei buoni twist. Anche grazie alle giovani attrici del cast.

Alla Festa del Cinema di Roma n° 18, anzi meglio, ad Alice nella Città, la sezione separata che sembra un festival a sé, Desiré si è aggiudicato il Premio Raffaella Fiorella per il miglior film italiano del Panorama Italia, a sua volta sezione di Alice. Un po’ come questo gioco di sezioni a matrioska, in questo film conta il nocciolo, il coming of age diremmo con facilità o faciloneria. Invece il nocciolo qui sta semplicente nell’imparare a nuotare tra i flutti non sempre accoglienti della vita.

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Ebbene sì, il “superkiller” è solo un ragazzotto senza arte né parte che passa da eroe tenebroso agli occhi puri di Denni. Lo fa vivere Andrea Lattanzi con un romanesco che appare quasi esotico nell’ambientazione della storia. Ci troviamo infatti sulla costiera ravennate, tra spiagge desolate ai bordi della stagione calda, moli di scogliere e trabocchi di legno. Anche Sartoretti adotta quella cadenza, e la indossa a pennello, come tutt’e due le facce del padre violento. È a questo che serve il Secco: sparare al papà. Inizia così per questa improbabile coppia di ragazzi un viaggio sgangherato verso la vendetta.

L’opera prima Io e il Secco si presenta come un buddy movie abbastanza atipico. Con un bambino protagonista ma non esattamente rivolto a quel pubblico di giovanissimi. Lo sguardo del regista Gianluca Santoni infatti, seppur pudico di fronte alle violenze domestiche, non si tira indietro su altre scene un po’ forti per un bambino e un linguaggio che non fa troppi sconti. Il soggetto di questo film, firmato dal regista insieme a Michela Straniero, ha vinto il Solinas nel 2017, sviluppandosi in questo piccolo esordio di piacevole scorrimento. Con alcuni twist niente male e la scelta vincente di ambientare il tutto in una provincia non piatta e poco battuta dal grande schermo. 

Santoni fotografa una famiglia che cerca di tenersi a galla da un problema che la zavorra. La direzione degli attori non cerca fronzoli ma tocca un buon equilibrio tra realismo e fantasie puerili del piccolo protagonista. Uno dei punti di forza sta nello stemperare il peso tematico della violenza domestica pur mantenendone in piedi la portata. L’altro sta nella chimica tra il bambino e il superkiller, ognuno dei quali nel proprio percorso dell’eroe acquisirà nuove consapevolezze su sé stesso e sul mondo. Alla Festa del Cinema di Roma edizione XVIII partecipa in concorso ufficiale per la sezione dedicata al cinema dei giovani Alice nella Città.

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Giunta alla sua edizione numero 38 la Settimana Internazionale della Critica, sezione collaterale della Mostra, oltre ai lungometraggi (7 film in concorso più 3 eventi speciali), abbiamo avuto 7 cortometraggi in concorso, più i 2 in apertura e in chiusura rispettivamente di Liliana Cavani e Francesco Piras. Tutti e 9 italiani. Mentre la giuria composta da Eddie Bertozzi, responsabile acquisizioni per la distribuzione Academy Two, il regista Matteo Tortone e la producer Nicoletta Romeo ha decretato i 3 vincitori ai quali siamo andati a dare uno sguardo (di altri due concorrenti, Tommaso Fragini e Federico Demattè, abbiamo parlato un articoli precedenti).

Nel documentario La linea del terminatore di Gabriele Biasi seguiamo la testimonianza di Fernanda Gonzales, un’immigrata Argentina che è fuggita da Buenos Aires fino all’Italia. Il regista ce ne lascia ascoltare la voce, un flusso di coscienza accompagnato da immagini dirompenti a sintetizzare il dramma e l’urgenza di questa donna. Oltre a immagini di repertorio, Biasi sceglie le partenze di razzi aerospaziali, così le esplosioni di quei reattori ben rappresentano la rottura traumatica, anche violenta di del viaggio come impresa immane, distacco dalla propria terra verso lo spazio come verso il futuro in un altro paese lontano. I sensi di colpa per aver lasciato indietro la sua famiglia bruciano l’anima della donna come quei motori in fiamme. Biasi utilizza immagini porose che sembrano in Super8 e 16mm, distorsioni psichedeliche per raccontarne in video i sentimenti, ma soprattutto colpisce la lampante metafora delle strumentazioni aerospaziali, un modo di raccontare l’immigrazione bagnato di Kubrick, perché un viaggio per trovare una nuova vita è sempre un’odissea. Con questa intuizione Biasi si è aggiudicato il Premio alla Migliore Regia – Stadion Video.

Ha i toni di una commedia brillante invece We Should All Be Futurist dell’autrice Angela Norelli (regia e sceneggiatura). Allegoria concettuale che giustappone immagini di film anni ’10 e ’20 a un vivace carteggio tra due donnine di casa. “Isterica” viene chiamata la donna che si affaccia fuori dai binari di un’educazione patriarcale. Così la storia del primo vibratore, sì il primo strumento di piacere erotico storicamente dedicato alle donne e al loro diritto al piacere, si lega a un linguaggio cifrato in sottili allusioni che irride con leggerezza il futurismo di Marinetti e il superomismo uomo-macchina in una chiave tutta proto-femminista. Parlare quasi in codice diventa un inno alla libertà senza tempo, libertà che passa in primis dall’intimo umano, femminile. Il mondo in un corpo, e il corpo nel mondo come avamposto di sopravvivenza dell’identità, come punto G di una dimensione d’indipendenza da conservare anche al costo di comunicare tramite codici cifrati contro mariti impantanati nei rigidi tecnicismi maschiocentrici del loro tempo. O semplicemente resilienza novecentesca della prima ora. Sta di fatto che questo corto audace e frizzante ha vinto il Premio al Miglior Contributo Tecnico – Fondazione Fare Cinema.

Il Premio al Migliore Cortometraggio – Frame by Frame della Settimana Internazionale della Critica è andato infine a uno shortfilm che guarda al passato di due alberi cresciuti nel bel mezzo della foresta amazzonica peruviana. Presupposti originali, misteriosi e apparentemente impossibili da realizzare come Las memorias perdidas de los árboles di Antonio La Camera costituiscono esattamente quelle sane tensioni creative tra autore, grande schermo e spettatore che sfidano il sentire e l’immaginare. Così in un continuo controcampo tra arbusti imponenti scopriremo il loro passato umano di fratellini. La loro lingua è un crepitio gutturale, quasi atavico, ma i sottotitoli ci offrono il linguaggio umano. Flashback di vite passate si risvegliano da memorie sopite, rimaste legate tra liane o sepolte dal fogliame. La dimensione natura si fonde in contrasto con un vero e proprio viaggio spirituale rendendo più viva che mai quella comunemente errata staticità che assegniamo al mondo vegetale. Il regista di questa produzione italo-spagnola tinteggiata di colori sfocati e lisergici tutto il suo film. Sfoca i ricordi umani ponendoci di fronte a soggettive di sensorialità quasi aliene. Attinge a diverse tecniche da videoarte, rielaborazioni sulla luce quasi pittoriche, astrattiste, miscelando effetti digitali in un decoupage che ci parla di rispetto per l’ambiente attraverso il destino di due bambini senza mai tralasciare grazia e magnificenza del mondo vegetale.

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